Simposio

Nuevas utopías: arte, memoria y contexto

XLIX Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Programa. 13 de octubre / 2017

Museo Nacional de Bellas Artes, MNBA (Teatro)

Sesión de la mañana

9:00 am-9:15 am: Rubén de Valle Lantarón (Comentario introductorio)

9:15 am-9:30 am: Marek Bartelik (Comentario introductorio)

9:35 am-10:15 am: Robert Storr (Orador principal)

10:20 am-10:50 am: Hilary Robinson

10:55 am-11:25 am: Yolanda Wood

11:30 am-12:00 m: Damian Smith

(15 minutos de receso)

12:15 pm-1:00 pm: Discusión moderada por Niilofur Farrukh

1:00 pm-2:30 pm: Almuerzo

Sesión de la tarde

2:30 pm-2:45 pm: Carlos Acero Ruiz (Comentario introductorio)

2:45 pm-3:00 pm: David Mateo (Comentario introductorio)

3:00 pm-3:40 pm: Jorge Fernández (Orador principal)

3:45 pm-4:15 pm: Cristina Freire

4:20 pm-4:50 pm: Michael Asbury

4:55 pm-5:25 pm: Antonio Eligio Fernández, Tonel

5:25 pm-6:25 pm: Discusión moderada por Dannys Montes de Oca Moreda

PONENTES

Robert Storr. Orador principal

Artista, crítico, curador. Fue Decano de la Escuela de Arte de la Universidad de Yale. Desde 1990 hasta 2002 fue curador principal en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), donde organizó exhibiciones temáticas tales como Dislocations y Modern Art Despite Modernism, así como retrospectivas sobre Max Beckmann, Elizabeth Murray, Gerhard Richter, Robert Ryman y Tony Smith. Ha montado muestras pequeñas con artistas tales como Art Spiegelman, Ann Hamilton, Franz West, y Ad Reinhardt. En 2007 fue el primer director de artes visuales estadounidenses en la Bienal de Venecia. Ha realizado contribuciones regulares para Art In America, Artforum, Parkett, Art Press (París), Frieze (Londres), y Corriere della Serra (Milán). Su libro más reciente es Intimate Geometries: The Work and Life of Louise Bourgeois (Monacelli, 2016). Entre las muchas distinciones que ha recibido se encuentra un Premio Especial AICA-USA por su Distinguida Contribución en la Esfera de la Crítica de Arte.

Jorge Fernández Torres. Orador principal

Es el Nuevo director del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana. Fue curador y director del Centro de Arte Contemporáneo “Wifredo Lam” y de la Bienal de La Habana; también fue miembro de la Comisión para el Desarrollo de la Cultura Cubana de la UNESCO, vicerrector de la Universidad de las Artes (ISA) en La Habana y formó parte del Consejo Asesor de Las Artes en la Biblioteca Nacional de Cuba “José Martí”.

Ponencia: En busca del lugar deseado

El Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) coincide con la conmemoración del 500 aniversario de un libro cumbre para la historia de la humanidad, Utopía, de Tomás Moro. Un texto que anticipa una protosociedad, donde se preconiza la colectivización en detrimento de la propiedad privada, pero mantiene la vigilancia y el castigo. Desde esa fecha hasta la actualidad, la lucha por estos ideales se ha debatido entre las ansias de libertad y las formas de revertir las condicionantes del poder.

La utopía se acerca a una interdisciplinariedad que existe para ser narrada. El arte puede ser el registro de su Historia. La crítica desde la creación, que ha acompañado el desarrollo de los procesos sociales, ha transitado por diferentes etapas de tolerancias y diferendos entre artistas, intelectuales e instituciones, pero sigue siendo una plaza que se renueva entre las posibles acepciones que se puedan derivar –para mal o para bien– de la utopía.

Michael Asbury

Historiador de arte, crítico de arte y curador. Tiene un Doctorado sobre el trabajo del artista brasilero Helio Oiticica y es parte del claustro de profesores de Graduate School en los Colleges of Art de Camberwell, Chelsea y Wimbledon, University of the Arts London (UAL). Es miembro fundador del Centro de Investigación para el Arte Transnacional, Identidad y Nación (UAL).

Ponencia: Brasilia desde su nacimiento hasta su muerte

Las noticias relativas a la muerte de Brasilia Costa Gois (quien fuera la primera bebé que nació en Brasilia, en 1960, el mismo día en que se inauguraba la ciudad) resultan trágicas y, sin embargo, horriblemente oportunas que se produzcan a pocos días del golpe blando que llevó al enjuiciamiento de la Presidenta Dilma Rouseff. Tal parece que la muerte de una ciudadana simbólica acompañara la muerte de la democracia.

Mi trabajo analiza las respuestas de los artistas a la nueva capital, desde su construcción hasta el fallecimiento de su principal arquitecto, Oscar Niemeyer. Tomando como centro el trabajo fotográfico de Marcel Gautherot, Mauro Restife, y artistas como Detanico y Lain así como Matheus Rocha Pitta. Se trata de contextualizar estas poéticas respuestas en la capital brasileña en los momentos en que la esperanza parece alejarse mucho de sus expectativas utópicas originales.

Antonio Eligio Fernández, Tonel

Tonel, graduado de Historia del Arte de la Universidad de La Habana, en 1982, es un artista, crítico y curador que comparte su tiempo entre Canadá y Cuba. Ha realizado muchas exhibiciones que incluyen exposiciones colectivas en las Bienales de La Habana, São Paulo, Berlín y Venecia. Sus textos sobre arte cubano contemporáneo se han publicado en revistas de arte, catálogos de muestras y libros. Es autor de Loss and Recovery of the City (In the Cinema), edición bilingüe por White Wine Press and Pisueña Press, 2010. Ha impartido docencia en el Departamento de Historia del Arte, Arte Visual y Teoría, University of British Columbia, Vancouver, Canadá, y en el Centro de Estudios Latinoamericanos y en el Departamento de Arte e Historia del Arte, Universidad de Stanford, California.

Ponencia: Carnaval o el triunfo del tambor utópico

En El socialismo y el hombre en Cuba (1965), Ernesto Che Guevara escribe que en 1959: “aparecía en la historia de la Revolución Cubana… con caracteres nítidos, un personaje que se repetirá sistemáticamente: la masa”. Esa nitidez de caracteres se confirma en las imágenes generadas por el arte en Cuba, de 1959 hasta hoy. Me propongo vincular este tipo de representación con el concepto de la “utopía socialista-comunista”, de Karl Mannheim y con la naturaleza “antropológica” del discurso utópico, según la ha descrito Cosimo Quarta.

Cristina Freire

Curadora y profesora en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo. Entre 2005 y 2006 fue co-curadora de la XXVII Bienal de São Paulo. Subdirectora del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo (MAC USP), 2010-2014. Sus libros incluyen: Além dos mapas. Os Monumentos no Imaginário urbano contemporáneo, 1997 (Más allá de los mapas. Los monumentos en el imaginario urbano contemporáneo); Poéticas do Processo. Arte Conceitual no Museu, 1999 (Poéticas del proceso. Arte conceptual en el museo); Arte Conceitual, 2006 (Arte conceptual); Paulo Bruscky. Arte, Arquivo e Utopia, 2007 (Paulo Bruscky. Arte, Archivo y Utopía); Walter Zanini. Escrituras críticas, 2013, Jabuti Prize, 2014.

Ponencia: ¿Decolonizar el Museo: la Utopía?

En la historia de Brasil, la herida colonial se basa en dos importantes genocidios: el del pueblo indígena y el de los negros. Como instrumento óptico puesto al servicio de la modernidad, el Museo de Arte Moderno en Brasil ha logrado invisibilizar estos procesos de colonialidad. Sin embargo, algunos ejemplos de inconformismo intelectual pasado traen al presente la defensa de lo popular en la educación y en el arte. Son proyectos que no se pudieron materializar a plenitud en su espacio-tiempo de emergencia y siguen como índices de historias interruptas que reaparecerán en la obra de algunos artistas contemporáneos y proyectos de instalaciones en exhibiciones.

Constituyen testimonios de los reprimidos y, no por gusto, vuelven a hacer mención, en especial en estos días, al concepto de utopía, como reservorios de “destellos de esperanza” para la creación de otros futuros posibles.

Hilary Robinson

Profesora de Cultura Visual en Middlesex University, London. Con anterioridad fue Profesora de Teoría del Arte y Crítica y Decana, College of Fine Arts, Carnegie Mellon University, Pittsburgh, PA, USA; profesora de Política del Arte y Jefa de Arte y Diseño, University of Ulster, Belfast. Realiza investigaciones sobre el pensamiento feminista y el arte. Actualmente trabaja en una historia sobre el movimiento feminista en el arte a escala internacional.

Ponencia: Nuevo Activismo Feminista: Memoria. Arte y Contexto

LEs posible encontrar online el pietaje original Pathé, de Emily Wilding Davison, cuando se pone delante del caballo en el Derby de Epson, en Inglaterra, en 1913. Ella levanta un objeto que porta en su mano; el caballo la golpea, y la lanza por el aire, ella cae al suelo, inmóvil. Cuatro días después fallece como consecuencia de las heridas sufridas. Lo que ella portaba en su mano era una bufanda tejida con los colores del sufragio universal: verde, púrpura y blanco con la inscripción “El voto para las mujeres”. En su lápida aparece el lema de la Unión Social y Política de las Mujeres: “Hechos y no palabras.” Un reciente análisis del filme muestra que, con toda intención, Davison ubicó su acción en relación con las tres cámaras que filmaban, lo que sugiere, por lo tanto, que su acción puede considerarse una actuación fundacional de activismo ante cámara. ¿Dónde están las recientes actuaciones feministas de resistencia? Ejemplos de eso podrían incluir Pussy Riot (Rusia), Tanja Ostojié (Serbia), Xiao Lu (China), Sethembile Msezane (Sudáfrica), Femen (Ucrania), y fotos documentales. Refiriéndome a artistas tales como: Lippard, Mitchell y Groys, podría debatir el sujeto performativo activista, la distinción realizada entre el arte político y el arte activista, y las diferencias entre el objeto intencionalmente realizado o la intervención y, la icónica –pero oportunista– imagen que surge de los eventos.

Damian Smith

Radica en el Centro por el Arte, la Sociedad y la Transformación (CAST), RMIT University, Melbourne. Es director de Words For Art, una consultora que se especializa en el discurso cultural, y en la actualidad es curador de un importante proyecto para la Bienal de La Habana, que se presentará a lo largo de la famosa línea del Tren de Hershey. Su investigación doctoral articula el concepto de barefoot curating, que consiste en la puesta de proyectos de arte con compromisos sociales en contextos remotos, inusuales y de escasos recursos.

Ponencia: Intercambio: Una conversación entre dos trenes

¿Qué es lo que, Cuba con un sistema basado en el Socialismo, puede ofrecerle a una cultura regida por el mercado como la de Australia, y viceversa? ¿Podrían esas enseñanzas conducir, si no a nuevas utopías, quizás a un mejor trato en cada caso? Precisamente estos tipos de interrogantes son las que han dado lugar a un importante proyecto en la 13 Bienal de La Habana, que se producirá en 2018. Bajo el título: Intercambio: una conversación entre dos trenes, el proyecto incluye una serie de proyectos de artes visuales que se montan en el contexto de dos líneas de trenes –el famoso Tren de Hershey que termina su recorrido en las costas de la Bahía de La Habana, y la Línea Upfield en Melbourne, Australia.

El desarrollo de Intercambio: una conversación entre dos trenes, se pondrá bajo escrutinio mediante un modelo basado en la práctica del barefoot curating que concentra la atención en el papel del arte en una sociedad mediante una interacción, un diálogo y un contacto directo con el público participante.

Yolanda Wood

Doctora en Ciencias del Arte, es profesora del Departamento de Historia del Arte en la Facultad de Artes y Letras de la Universidad de La Habana desde 1974. En 1985 fundó el Departamento de Historia del Arte del Caribe en esa universidad. Su más reciente libro es Islas del Caribe: naturaleza arte-sociedad (Editorial UH/CLACSO, 2012). Es miembro del Consejo Científico para el volumen IX de la Historia de África UNESCO y de la sección AICA-Cuba.

Ponencia: Arte, pensamiento y utopía: memoria insular e imaginarios visuales para pensar el Caribe en el escenario global

El arte en el Caribe no podía evadirse de la particular circunstancia de esta región de islas cercanas y dispersas, de numerosas islas grandes y pequeñas en un mar rodeado de las costas de tierra firme, término acuñado por el cual las islas parecerían ligeras y flotantes. Interesan a los objetivos de esta presentación, el modo en que las islas, a través del tiempo y hasta la contemporaneidad, han sido asumidas como pretexto para indagaciones que atraviesan por aspectos históricos, etnológicos y antropológicos, así como el imaginario que la propia insularidad sugiere en lo artístico y lo cultural para nuevos y permanentes modos de pensar los caminos humanos de la utopía, la memoria y el arte.

MODERADORAS

Niilofur Farrukh

Fundadora de NuktaArt, revista sobre arte contemporáneo de Paquistán (www.nuktaartmag.com). Comisionada de Paquistán en la Bienal de Arte de Asia (Bangladesh, 2006), la Bienal de Arte de Taskent (Uzbekistán, 2009) y el Festival de Arte Internacional de Katmandú. Es la Gerente Fiduciaria del Fondo de la Bienal de Karachi, que está organizando la Primera Bienal en Karachi en 2017. Ha sido seleccionada como una de las cien mujeres paquistaníes ejecutoras por el Programa de Educación de Derechos Humanos. Es presidenta de AICA-Paquistán y vicepresidenta de AICA Internacional.

Dannys Montes de Oca

Curadora del Centro de Arte Contemporáneo “Wifredo Lam”, en La Habana. Coautora de Memories: Cuban Art of the 20th Century (California International Art Foundation, Los Ángeles, CA, 2002); Mariano Rodríguez (Sevilla, España, 2003); Labores Domésticas. Versiones para otra historia de la visualidad en Cuba: Género, Raza y Grupos Sociales (Unión, La Habana, 2004) y José A. Figueroa: Un autorretrato cubano (Turner, 2009). Sus artículos han aparecido en La Gaceta de Cuba, Humboldt, Artecubano, Public, Art Nexus e Inter Art Actuel.

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